LA HISTORIA ES MÚSICA

LAS VOCES DE OTRO TIEMPO NOS LAS TRAEN ELLAS

2012-01-21T20:37:00.000+01:00

ESCALERAS MECÁNICAS COMO UN PIANO

2012-01-07T14:33:00.000+01:00

MÚSICA Y EMOCIONES

2011-10-12T23:16:00.003+02:00

Archivo en pdf que nos permite un acercamiento claro:
Psicología de la música y emoción musical JOSEFA LACÁRCEL MORENO

Otros artículos sobre: Estímulos musicales

Programa de tve REDES, sobre música, emociones y neurociencia, también son interesantes las aportaciones de los comentarios al programa con referencias a otros científicos:
música-emociones-neurociencia

LA ÓPERA DE ROMA, MUTI

2011-10-02T21:08:00.001+02:00

Volvió la emoción, el sentimiento y la unión:

Información tomada de:
https://listas.nodo50.org/cgi-bin/mailman/listinfo/foroprofpcm

El pasado 12 de marzo, Silvio Berlusconi debió enfrentarse a la realidad. Italia festejaba el 150 aniversario de su creación y en esta ocasión se representó en Roma la ópera Nabucco, de Giuseppe Verdi, dirigida por el maestro Ricardo Muti.

Nabucco evoca el episodio de la esclavitud de los judíos en Babilonia, y el famoso canto "Va pensiero", es el canto del coro de esclavos oprimidos. En Italia, este canto es un símbolo de la búsqueda de la libertad (en los años en que se escribió la ópera, Italia estaba bajo el imperio de los Habsburgo).

Antes de la representación, Gianni Alemanno, alcalde de Roma, subió al escenario para pronunciar un discurso en el que denunciaba los recortes del presupuesto de cultura que estaba haciendo el Gobierno, a pesar de que Alemanno, es miembro del partido gobernante, y había sido ministro de Berlusconi. Esta intervención del alcalde, en presencia de Berlusconi, que asistía a la representación, produjo un efecto inesperado.

> Ricardo Muti, director de la orquesta, declaró al "Times":
> "La ópera se desarrolló normalmente hasta que llegamos al famoso canto "Va pensiero". Inmediatamente sentí que el público se ponía en tensión.

Hay cosas que no se pueden describir, pero que uno las siente. Era el
silencio del público el que se hacía sentir hasta entonces, pero cuando empezó el "Va Pensiero", el silencio se llenó de verdadero fervor. Se podía sentir la reacción del público ante el lamento de los esclavos que cantan: "Oh patria mía, tan bella y tan perdida."

> Cuando el coro llegaba a su fin, el público empezó a pedir un bis,
mientras gritaba "Viva Italia" y "Viva Verdi". A Muti no le suele gustar hacer un bis en mitad de una representación. Sólo en una ocasión, en la Scala de Milan, en 1986, había aceptado hacer un bis del "Va pensiero".
"Yo no quería sólo hacer un bis. Tenía que haber una
intención especial para hacerlo" - dijo Muti -.

En un gesto teatral, Muti se dio la vuelta, miró al público y a Berlusconi a la vez, y se oyó que alguien entre el público gritó: "Larga
vida a Italia!". Muti dijo entonces:
"Sí, estoy de acuerdo: "Larga vida a Italia", pero yo ya no tengo 30
años, he vivido ya mi vida como italiano y he recorrido mucho mundo. Hoy siento vergüenza de lo que sucede en mi país. Accedo, pues, a vuestra petición de un bis del "Va Pensiero". No es sólo por la dicha patriótica que siento, sino porque esta noche, cuando dirigía al Coro que cantó "Ay mi país, bello y perdido" , pensé que si seguimos así vamos a matar la cultura sobre la cual se construyó la historia de Italia. En tal caso, nuestra patria, estaría de verdad "bella y perdida".
Muchos aplausos, incluidos los de los artistas en escena. Muti prosiguió.

> "Yo he callado durante muchos años. Ahora deberíamos darle sentido a este canto. Les propongo que se unan al coro y que cantemos todos el "Va pensiero"

EL TACTO DE LA MÚSICA

2011-09-14T19:53:00.000+02:00

La Fundación Música Abierta realiza una labor tan maravillosa con pacientes que tienen diferentes parálisis cerebrales, que Si no he puesto este vídeo antes en el blog, es porque sigue impresionándome y emocionándome ¡tanto tanto!.
Ver las caras de sorpresa cuando son conscientes que el sonido lo dirigen ellos mismos, con su mínimo movimiento. Ver su emoción, que contagia. Te sientes orgulloso de pertenecer al género humano y a su desarrollo tecnológico. Porque no se trata de inventar programas, sino de qué manera se pueden usar esos programas.
Desde aquí mi enhorabuena. Deseo que continúen y tengan ayudas para realizar su labor.

JAZZ ENTRE AMIGOS

2011-06-01T03:17:00.003+02:00

Programa español que se dedicó al Jazz:
Pulsa y encuentras varios programas

JAZZ ENTRE AMIGOS

JAZZ Y CINE, preparados, listos y acción

2011-05-22T21:29:00.004+02:00

1899

Aquí vamos a colocar una serie de páginas con suficiente información y música. Por ejemplo, son muy numerosos los capítulos de la Historia del Jazz que podemos encontrar en YouTube, pero iremos poco a poco.
Para los que tengan prisa, aquí quedan los enlaces:

En el canal de alarcondelavega están todos los capítulos: documental dirigido por Ken Burns y que habla sobre la historia del jazz: época, intérpretes, corrientes y derroteros de esta corriente musical que, además, marcó varias generaciones. Mas allá de la parte musical, la historia del jazz está intimamente ligada a la historia reciente de los Estados Unidos. Desde otro enfoque, este largo documental (12 capítulos divididos en 6 partes cada uno), nos puede ayudar a comprender cómo es que un país ha llegado a ser tan poderoso y tan frágil a la vez. Fragilidad que, de alguna manera, está sustentada en su prisa por deshacerse de su propia historia.

Esta página llamada CINE CON JAZZ:
http://cineconjazz.blogia.com/

Aquí además del cine y el jazz, las biografías:
http://www.apoloybaco.com/cinejazzprincipal.htm

La página de referencia de los documentales de Kern Burns:
http://www.pbs.org/jazz/

http://introjazz.blogspot.es/1185821040/

Empezamos dejando alguna película, sin relación entre ellas, nada más que la intención de la música:

Título en español:Rebeldes del swing
"SWING KIDS" (1993)

"TIANA Y EL SAPO" Con algún toque musical de Nueva Orleans

"CHICO Y RITA" Para los mayores, película de Trueba y Mariscal

CREAR MÚSICA Y DIVERTIRSE

2010-12-31T19:53:00.000+01:00

ES UN PROGRAMA QUE TE PERMITE CREAR CON EL OÍDO Y CON LA VISTA, ESTÁ EN INGLÉS, PERO PUEDES IR DESCUBRIENDO POCO A POCO LAS POSIBILIDADES, ADEMÁS GUARDA TUS CREACIONES, NO OLVIDES EL TÍTULO QUE LE DAS AL GUARDARLO.

LA PÁGINA SE LLAMA INUDGE

http://www.inudge.net/ QUE TE DIVIERTAS Y FELIZ AÑO 2011

LA CANCIÓN DE LA TIERRA

2010-09-23T06:28:00.004+02:00

Earth Song (La Canción de la Tierra) es una canción del álbum History, publicado en 1995 de Michael Jackson (Estados Unidos, 1958 – Los Ángeles, 25 de junio de 2009), fue un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música pop, en una amplia acepción que incluye subgéneros como el rhythm & blues (soul y funk), disco y dance.

El sencillo vendió 3,5 millones de copias en todo el Mundo. Fue número uno en las listas del Reino Unido durante seis semanas, siendo el sencillo de Michael con mayor éxito en dicho país, con 1 millón de copias vendidas. Fue el cuarto single más vendido de la carrera de Michael Jackson, a pesar de que el single no fue lanzado en su país Estados Unidos.

Un siglo antes nos encontramos con Das Lied von der Erde (La Canción de la Tierra) que es un ciclo de canciones en forma de sinfonía, un trabajo en gran escala para dos solistas vocales y orquesta, escrito entre 1907-1909 por Gustav Mahler (Bohemia, 1860 - Viena, 1911) fue un compositor y director de orquesta. Sus composiciones se encuentran entre las obras del Postromanticismo más importantes.

El uso de Mahler de ciertas características "chinas" (escala pentatónica, escala de tonos enteros, uso de determinados instrumentos) hace que este trabajo sea el primero de estas características en su obra.

Cuatro de los poemas chinos usados por Mahler (Das Trinklied vom Jammer der Erde, Von der Jugend, Von der Schönheit y Der Trunkene im Frühling) son de Li Bai (Li Tai-Po), el famoso poeta errante de la Dinastía Tang. Der Einsame im Herbst es de Chang Tsi y Der Abschied combina poemas de Mong Kao-Yen y Wang Wei con varias líneas agregadas por el propio Mahler.

Mi corazón está tranquilo y espera su hora.
¡La querida tierra florece por todas partes en primavera y se llena de verdor
nuevamente! ¡Por todas partes y eternamente resplandece de azul la lejanía!
Eternamente... eternamente...
(Final del poema 6: La despedida)

Textos tomados de wikipedia

LS VERBENA DE LA PALOMA. Madrid finales XIX

2010-05-14T23:01:00.012+02:00

La Verbena de la Paloma se celebra anualmente el 15 de agosto en el entorno de la iglesia de San Pedro el Real. Las calles se engalanan para honrar a su virgen. A pesar de la gran atracción que tiene la Verbena de la Virgen de la Paloma se trata de una tradición relativamente reciente, ya que data de finales del siglo XVIII.

La importancia que tenía la Verbena de la Paloma en los Madrileños puede verse reflejada en la que posiblemente sea la zarzuela más conocida y popular que lleva su mismo nombre, con música de Tomás Bretón y libreto de Ricardo de la Vega, y que es un auténtico retrato costumbrista de finales del siglo XIX. los madrileños más castizos se visten de chulos y las más castizas de chulapas. La verbena se celebra entre el 6 y el 15 de agosto. http://madripedia.es/wiki/Verbena_de_la_Paloma

Estreno de La verbena, en el Teatro Apolo la noche del 17 de febrero de 1894. Como era uso y costumbre en los sainetes de la Vega, La verbena llevaba además del título principal, los de El boticario y las chulapas y celos mal reprimidos.

Se estructura en un solo acto, dividido en tres cuadros, siendo una zarzuela prototipo del género chico, de corta duración. Cada cuadro tiene decorado y escenificación diferentes.

Texto de la Habanera

¿Dónde vas con mantón de Manila?

¿Dónde vas con vestido chiné?

A lucirme y a ver la verbena,

y a meterme en la cama después...

Famosas Coplas de Don Hilarión: Una morena y una rubia, hijas del pueblo de Madrid, me dan el opio con tal gracia que no las puedo resistir. Caigo en sus brazos ya dormido, y cuando llego a despertar, siento un placer inexplicable y un delicioso bienestar. Y es que las dos, !ja, ja, ja, ja!,

Cuadro Primero
- Parlante y Escena: "Hoy las ciencias adelantan que es una barbaridad"
- Canción de Julián y Concertante: "También la gente del pueblo tiene su corazoncito"
- Coro y Seguidillas: "Por ser la Virgen de la Paloma"
- Coplas de Don Hilarion: "Tiene razón Don Sebastián"
Cuadro Segundo
- Introducción, Escena y Soleá: "En Chiclana me crié..."
- Nocturno: "¡Buena está la política!"
- Escena de Don Hilarion y las chulapas: "¡Oh, qué noche me espera!"
- Mazurca
- Duo y Escena: "Ya estás frente a la casa"
- Quinteto: "Linda Susana, Casta hechicera"
- Habanera Concertante: "¿Dónde vas con mantón de manila?"
Cuadro Tercero
- Seguidillas y Final: "Por ser la Virgen de la Paloma"

La verbena de la Paloma ha sido llevada al cine en tres ocasiones hasta el momento. La primera fue en 1921, en cine mudo, dirigida por José Buchs. La segunda versión fue en blanco y negro, en el año 1934, dirigida por Benito Perojo. La tercera versión cinematográfica fue en 1963, dirigida por José Luis Sáenz de Heredia y protagonizada por Concha Velasco, Vicente Parra, Miguel Ligero, entre otros.
Ha tenido arreglos para organillo e incluso para bandas de música. Ha sido grabada en televisión por cadenas nacionales e internacionales en representaciones teatrales y recopilada en DVD a partir del programa Antología de la Zarzuela que emitía Televisión Española. http://es.wikipedia.org/wiki/La_verbena_de_la_Paloma

En la película de 1935 de Benito Perojo, "La Verbena de la Paloma", se ilustra así de bien un Café Cantante en al año 1900, 15 de agosto. Soleá, en "Chiclana me crié"

Análisis y partitura de la Habanera Concertante: http://perso.wanadoo.es/antoninesdos/verbena.htm

FUENTE Y CAUDAL

2010-05-02T18:35:00.005+02:00

Fuente y caudal es el título de un álbum de Paco de Lucía, editado en 1973 por Fonogram.
Es su quinto elepé en solitario. Con este disco se inicia un nuevo ciclo en la carrera de Paco de Lucía. El joven algecireño demuestra en este LP un nivel de perfección técnica y de estilo que hasta la fecha no habían sido alcanzados por guitarrista flamenco alguno. La proyección tanto nacional como internacional de Paco de Lucía se hará realidad con la edición de este disco, gracias a la popularidad alcanzada con la rumba Entre dos aguas. Editado en el año 1973, Fuente y caudal tuvo también un importante impacto entre los aficionados que seguían la carrera del guitarrista algecireño, acercando además el flamenco a muchas personas que hasta entonces habían permanecido indiferentes a este tipo de música.

El disco contiene ocho temas supuestamente compuestos por Torregrosa y Paco de Lucía, aunque, como casi siempre, son de Paco en exclusiva. La segunda guitarra la toca su hermano Ramón de Algeciras. Se trata curiosamente de una obra forzada, para cumplir el contrato discográfico, donde tan sólo la taranta que da título al álbum estaba preparada. Una vez grabados siete temas del disco, y para completarlo, se añadió una rumbita semiimprovisada (Entre dos aguas), con bajo y bongó, que catapultará definitivamente a la fama al genio de Algeciras.
Apareció en 1973, se reeditó en 1975. En 1981 apareció en serie económica en casete. Apareció en CD en 1987. En 1990 fue remasterizado, y en 2003 de nuevo fue revisado para la edición en la caja Integral.

http://es.wikipedia.org/wiki/Fuente_y_caudal#Partitura

PALO FLAMENCO

2010-05-02T17:59:00.005+02:00

Se conoce como palo a "cada una de las variedades tradicionales del cante flamenco".Los palos pueden clasificarse siguiendo varios criterios: Según sea su compás, su jondura, su carácter serio o festero, su origen geográfico etc
http://es.wikipedia.org/wiki/Flamenco

http://www.tristeyazul.com/

Por el ritmo

1. Estilos con métricas de 12 tiempos:

1.1. Grupo de compás de soleá: Bulerías, Bulerías por soleá, Alegrías, Soleá por bulerías, Caña, Polo, Mirabrás, Caracoles, Romera, Cantiñas, Bambera, Alboreá, Romance.
1.2. Grupo de la seguiriya: Seguiriyas, Cabales, Liviana, Serranas, Toná-Liviana
1.3. Guajira y Petenera.

2. Estilos de métrica binaria: Grupo de los tangos: Rumba, Garrotín, Colombiana, Milonga, Farruca, Taranta o Taranto, Tientos, Mariana.

3. Estilos de métrica ternaria: Fandango de Huelva, Sevillana, Fandango malagueño, Seguidilla sevillana. (y todos los estilos de doce tiempos, en los que subyace la métrica ternaria)

4. Polirrítmico: Tanguillo y zapateao.

5. Libres: Toná, Debla, Martinete, Carcelera, Cantes camperos, Saeta, Malagueña, Granaína, Media Granaína, Rondeña, cantes de las minas (Minera, Taranta, Cartagenera, Levantica, Murciana).

Por su origen musical

1. Cantes derivados de los Romances y Seguidillas castellanas: Corríos, Toná, Saeta, Martinete, Carcelera, Debla, Liviana (Andrade de Silva las incluye en el grupo de los cantes camperos), Seguiriya, Cabales

2. Cantes derivados del Fandango: Fandangos, Malagueña, Verdiales, Jabera, Rondeña, Granaína, Media Granaína, Bandolá, Jabegote, Minera, Murciana, Cartagenera, Taranta

3. Cantes derivados de las coplas y canciones andaluzas del siglo XVIII: Tangos, Tientos, Tanguillos, Caña, Polo.

4. Cantes derivados los cantes camperos del folclore andaluz: Serranas, Trilleras, Nana, Marianas, Cantes Campanilleros, Cachuchas, El Vito, Sevillanas corraleras.

5. Cantes troncales de las antiguas Cantiñas de baile: Soleá, Bulerías, Cantiñas (incluyendo las Alegrías, el Mirabrás, los Caracoles y las Romeras), Petenera, Alboreá.

6. Cantes de influencia afro-americana: Colombianas, Rumba, Guajira, Milonga.

7. Cantes con origen en el folclore de otras regiones de España: Farruca, Garrotín, Jota flamenca.

MÚSICA POP HISTORIA DEL ARTE

2010-03-29T04:26:00.012+02:00

Vídeo del grupo
Hold Your horses

http://www.myspace.com/holdyourhorsesparis

Letra (lyrics)

And it hardly looked like a novel at all, I hardly look like a hero at allAnd I'm sorry, you didn't publish thisAnd you were white as snow; I was white as a sheetWhen you came down in this black dressIn your mom's black maternity dressAnd so, Though it hardly looked like a novel at all, And the city treats me, it treats me to youAnd a cup of coffee for youI should learn it's language and speak it to you

And 70 million should be in the knowAnd 70 million don't go out at allAnd 70 million wouldn't walk this streetAnd 70 million would run to a holeAnd 70 million would be wrong wrong wrongAnd 70 million never see it at allAnd 70 million haven't tasted snow

And we dance dance dance like the children danceImply thought are we taking the chance?With the light still on, and will we ever reach the towerAnd after you came down in this black dressI don't know what took so very longAnd this, And this isn't a war, we don't have to rationNow wave white flag, and you kept it at homeAnd words I wrote from a foreign landYou're holding my no longer foreign hand

And 70 million should be in the knowAnd 70 million don't go out at allAnd 70 million wouldn't walk this streetAnd 70 million would run to a holeAnd 70 million would be wrong wrong wrongAnd 70 million never see it at allAnd 70 million haven't tasted snow

FLAUTA BEATBOXING ARPA BEATBOX

2009-10-07T14:58:00.006+02:00

Flute-beatbox INNOVACIÓN TÉCNICA S.XXI. UTILIZA LOS SONIDOS DEL BEATBOX. PERMITE EL USO DE LA FLAUTA COMO INSTRUMENTO RÍTMICO Y MELÓDICO AL COMBINAR LOS TONOS CON LA PERCUSIÓN VOCAL.

CUATRO MINUTOS, El trailer

2009-05-22T12:26:00.004+02:00

Una anciana pianista que da clases de música en una cárcel alemana, descubre el talento de una joven y conflictiva presa, Jenny, de 21 años, y decide presentarla a un certamen musical para jóvenes intérpretes. Las dos mujeres, absolutamente opuestas en apariencia, se verán obligadas a trabajar en equipo y a aprender a conocerse y respetarse.

Se observa la diferencia del sentido de lo íntimo con el piano del romanticismo. Ejemplo de las Escenas de niños de Robert Schumann, op. 15, nº7 con el título "Ensoñación" (Al:Traumerei, fr: Rêverie). Una versión para piano y otra adaptada para cuerda.

ALEA IACTA EST

2009-05-15T16:05:00.002+02:00

MANUEL DE FALLA, EL AMOR BRUJO

2009-05-08T22:36:00.007+02:00

MANUEL DE FALLA (CÁDIZ 1876- ARGENTINA 1946)CREÓ ESTA OBRA ENTRE 1914-1915 POR ENCARGO DE PASTORA IMPERIO, COMO "EL AMOR BRUJO,LA GITANERÍA EN UN CUADRO Y DOS ACTOS", (Se trataba de una pieza para voz y orquesta de cámara) SE HICIERON 30 REPRESENTACIONES EN 1915, CON IMPERIO ARGENTINA COMO PRIMERA ACTRIZ, DESPUÉS NADA MÁS SE ESCUCHÓ EN CONCIERTOS. EN 1925 VUELVE AL TEATRO, ANTONIA MERCÉ "LA ARGENTINA" Y MANUEL DE FALLA PRESENTAN EN PARÍS UNA NUEVA VERSIÓN. Falla transformó la primera versión en un ballet para orquesta sinfónica (y piano), con tres canciones cortas para mezzo-soprano con este formato, El amor brujo con este formato sí triunfó.
Cuenta la historia de Candela, una muchacha gitana, cuyo amor por Carmelo se ve atormentado por su descreído antiguo amante. La obra es de carácter marcadamente andaluz, tanto en lo musical como en lo literario. El libreto fue escrito por Gregorio Martínez Sierra en dialecto andaluz, si bien se ha llegado a poner en duda su autoría, en favor de su mujer, María de la O Lejárraga García, feminista apasionada que publicó obras bajo el nombre de su marido. La música incluye las famosas DANZA RITUAL DEL FUEGO, Danza del fuego fatuo, y Danza del terror.

NANA DE MANUEL DE FALLA: CANCIONES POPULARES ESPAÑOLAS Nº5
(PARA QUE DESCANSÉIS)

LA MELODÍA ETERNA, RICHARD WAGNER

2009-04-15T23:22:00.009+02:00

Para consultar biografía: http://www.wagnermania.com/Biografia/, más información y enlaces a su obra http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Wagner

Esta página es importante, se puede escuchar su música: http://www.epdlp.com/compclasico.php?id=941

Los siguientes acertados comentarios pertenecen a: http://www.dooyoo.es/archivos-musica/wagner-richard/276270/

- Quizá el más más importante de todos ellos sea la anteposición del drama a cualquier otro aspecto de la ópera. Hablando en términos cinematográficos, sería anteponer el guión al resto de elementos de la película: interpretaciones de actores, efectos, dirección, dirección artística, música, etc.

- Por lo tanto, los aspectos orquestales y vocales de la obra quedan subordinados al fin último del drama o poema. Esto supondría después la eliminación de los números de ópera clásicos tales como arias, duetos, canciones, así como cualquier otro número vocal, coral u orquestal que fuese independiente del poema dramático

- La sustitución de dichos números por el uso de un recitativo poético y continuo, acompañado de manera ininterrumpida e impenitente por la llamada "gran orquesta wagneriana", asentada sobre las bases que antes habían establecido Beethoven, Weber y Berlioz y reforzada en número de músicos respecto a los estándares de la época

- Wagner es, podría decirse, el máximo exponente del llamado Leitmotiv, o motivos conductores principales. El uso intensivo de estos elementos de expresión, que se asocian a personajes, objetos o ideas concretas, dotan de estructura a todo el conjunto dramático; estos novedosos elementos, integrados armónicamente en el drama, darían lugar a un nuevo concepto musical denominado "melodía infinita".

- La orquestación de las partituras, que llegaría a ser espectacular, provocando incluso cambios de estilo en las voces de los cantantes

- El uso de la mitología y leyendas alemanas, y europeas en general, como temas esenciales de sus creaciones

- Una nueva concepción de la tonalidad se empezó a plantear seriamente desde la composición de 'Tristán e Isolda', donde el uso intensivo de notas cromáticas en una melodía provoca un efecto extraño en el oído humano, cercano a lo "desafinado". Sus composiciones son barrocas en notas y, se dice, conforman conjuntos humanamente imposibles de ser tocados (esto último lo leí en un relato corto de Patrick Süskind titulado 'El contrabajo').

-Se representó 'Der fliegende Hollander' (El holandés errante), una ópera con la que Wagner dio un paso de gran importancia hacia el drama musical. En ella utiliza, desde la obertura, la unión de temas musicales a los personajes principales, a los sentimientos y hechos del drama, adquiriendo gradualmente la noción de tema conductor o leitmotiv, que sería esencial en la forma de componer del maestro en sus óperas posteriores.

Siguiendo en su evolución hacia un nuevo tipo de teatro musical, comenzó la composición de 'Lohengrin', pero su participación activa en los hechos revolucionarios de Dresden de 1848 y 1849, le obligó a exiliarse en Suiza. 'Lohengrin' se estrenó en Alemania mientras Richard Wagner permanecía en el exilio. En ella se ve que la estructura de la obra ya está basada íntegramente en el uso del leitmotiv.

En Suiza concibe una gigantesca obra, basada en la mitología germánica, con un contenido simbólico de considerable complejidad. La nueva obra de Wagner formará un ciclo de óperas, la tetralogía 'El anillo de los nibelungos', que giran en torno al mítico oro del Rin, convirtiéndose en la obra musical de mayor envergadura creada por un sólo hombre. Tardó 20 años en finalizarla.

HISTORIA DE AMOR EN EL OESTE, BUSCADORES DE ORO

2009-03-30T11:22:00.013+02:00

Maravillosa representación de Puccini

Para conocer su biografía y escuchar su obra: http://www.epdlp.com/compclasico.php?id=1095 entra para disfrutar de sus melodías que te envolverán.

Fotografía de la ópera 1910

Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Aparecieron

dos hermosos

caballos blancos de Huelva,

"Cascanueces" y "Cantinela",

primero tirando de la diligencia,

después con los jinetes.

Carteles de las famosas óperas:

EL CANON MÁS FAMOSO

2009-02-11T00:03:00.006+01:00

Hablar de Canon ahora mismo nos viene a la cabeza, "el impuesto del canon"...

Esto lo dejaremos para comentar en otros lugares...

A pesar de todo el CANON más conocido sigue siendo el de PACHELBEL

Canon, composición de contrapunto en la que varias voces repiten sucesivamente lo que cantaron las anteriores

ESTE ES EL BAJO QUE SE REPETIRÁ ETERNAMENTE

SALTOS DE CUARTA DESCENDENTES QUEDARON FIJADOS EN LAS MENTES DE LA CULTURA OCCIDENTAL

El Canon en >re mayor para tres violines y bajo continuo; en el original alemán: Kanon und Gigue in D-Dur für drei Violinen und Basso Continuo, es la obra más conocida en la actualidad del compositor de música barroca alemán >Johann Pachelbel. >Pachelbel escribió esta obra alrededor de 1680, siendo originalmente una obra de música de cámara para tres violines y bajo continuo; posteriormente se han realizado arreglos para una gran variedad de instrumentos y conjuntos. Originalmente, una giga en la misma tonalidadA> (re mayor) sigue al canon, pero esta última danza se ejecuta o graba con mucha menos frecuencia.

El Canon es muy conocido por la progresión armónica de los instrumentos de cuerda, que lo han convertido en una de las piezas más reutilizadas en la música popular contemporánea.

VOLVEMOS A LA ÓPERA, CON ROSSINI

2009-02-06T20:50:00.014+01:00

Gioachino Rossini, Italia 1792 y fallecido en París, 1868. Compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas cómicas (en un famoso encuentro con Beethoven, éste le indicó que siguiese componiendo muchos "Barberos de Sevilla"), pero con numerosas aportaciones también en el mundo de la ópera seria (la bellísima obra "Tancredi", por ejemplo).
Todo ello le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana, del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica por encima del drama o la profundidad emocional y por encima del interés armónico.
A medida que avanzan sus composiciones, éstas van adquiriendo un mayor grado de dificultad vocal, tanto que desde mediados del siglo XIX hasta los años setenta del siglo XX, muchas de sus obras se creían imposibles de cantar.

Aquí puedes escuchar, una parte del Barbero de Sevilla, la Obertura Guillermo Tell, la ópera La Cenicienta, Tema y variaciones para clarinete, el Stabat Mater, uno de los finales de Tancredi : http://www.youtube.com/view_play_list?p=17B105EFA70ECEAE

Casi accidentalmente (a petición de unos amigos), comienza a componer óperas (1810) y, dado el éxito que logra, no dejará ya de hacerlo... hasta 1829 año en que culmina su gran ópera Guillaume Tell.

La primera parte de su vida, se desarrolla en Italia, donde recorre las principales ciudades presentando sus óperas.

En esta época se producen muchos de sus conocidos "pasticcios", o autoplagios que se producían porque tenía que componer numerosas obras cada año y, no estando las ciudades italianas especialmente bien comunicadas, se dedicaba a cortar y pegar trozos completos de óperas anteriores para presentarlas en el siguiente lugar de estreno. Destacan las composiciones que hizo (especialmente para el Teatro San Carlos de Nápoles) para una conocida cantante de la época, la soprano española Isabel Colbran, con quien se casó en 1822 y formó pareja musical durante muchos años.

Se separó legalmente en 1837 de su mujer, marchándose a vivir con Olympe Pélissier con la que casó en 1846, una vez que murió Isabel Colbran en 1845.

Esta segunda parte de su vida será muchísimo menos prolífica en lo musical que la italiana (en Italia, entre 1810 y 1823 compuso 34 óperas; cuando, por ejemplo, Verdi, tardó más de cuatro años en componer Aida). Comienza su época francesa con alguna ópera en italiano y sobre todo con la reelaboración en francés de óperas ya estrenadas en Italia. Culmina esta producción con una grandiosa (por calidad, emoción y duración de más de cuatro horas) ópera en francés: Guillermo Tell.

Sin embargo, aunque no volvió a componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, haciéndose cargo de la dirección de varios teatros franceses y componiendo muchísimas obras breves (a menudo relacionadas con su otra gran pasión, la cocina), así como varias obras religiosas.

¿Por qué dejó Rossini de componer tras Guillermo Tell? Son muchas las respuestas que se dan, desde el hastío, hasta la riqueza que ya había generado, pasando por abundantes dificultades de salud y, quizá también por el cambio que se estaba produciendo en el mundo de la ópera, con nuevas necesidades vocales, orquestales y teatrales. http://es.wikipedia.org/wiki/Gioacchino_Rossini

TANCREDI: “Tancredi” (1813) que Stendhal consideraba la obra cumbre de Gioachino Rossini
“Tancredi”, con libreto de Gaetano Rossi basado en un drama –aquí, muy desdibujado- de Voltaire, es un “melodramma eroico” en dos actos estrenado en el Teatro de la Fenice de Venecia –inicialmente, sin éxito- el 6 de febrero de 1813 centrado en las tensiones de dos familias –las casas de Argirio y Orbazzano- en continua disputa por la primacía del Estado-ciudad de Siracusa en el siglo XII.

Su inmediata reposición en Venecia, provocó un vuelco en la apreciación popular de “Tancredi”, cuyo estribillo de la cabaletta “Di tanti palpiti” con la que el protagonista irrumpe en escena –“Di tanti palpiti, di tante pene, / da te mio beno, spero mercé…”- se convirtió en melodía frecuentemente cantada en los canales.

Poco después, durante la Cuaresma, la obra saltó a Ferrara, donde se ofreció ya con el nuevo final trágico, novedoso e insólito para la tradición operística hasta entonces pero que, en sintonía con el original de Voltaire, deseaba realmente Rossini.

Disfrazando esta ópera seria con algunos esquemas de la bufa, la gran novedad de Rossini fue aligerar el esquema de las antiguas arias tripartitas.

El director de escena Yannis Kokkos: que “Tancredi” esconde “un soplo de aire fresco, una ingenuidad que me hizo recordar mis momentos de infancia. Hay una nostalgia medieval en esta partitura que yo he querido trasladar a escena”.

Con “Tancredi”, supera su propio éxito en las obras cómicas –que, sin duda, durante mucho tiempo ocultaron al gran Rossini serio- apoya su música en la canción popular adornada de sencillas sorpresas armónicas y, pese a mantener la clásica yuxtaposición de números interrumpidos por recitativos, alterna pasajes meditativos con secciones más dinámicas y amplia el potencial expresivo de la orquesta.

Melodrama heroico en dos actos.

Libreto de GAETANO ROSSI (1774-1868) y LUIGI LECHI (1786-1861) basado en la tragedia "Tancrède" (1760) de Voltaire.

Estreno el 6 de febrero de 1813 en el Teatro La Fenice de Venecia (Versión Venecia) y el 20 de marzo de 1813 en el Teatro Comunale de Ferrara (Versión Ferrara).
Argirio, señor de Siracusa (Tenor)
Amenaide, su hija (Soprano)
Tancredi, Mezzo
Orbazzano, duque de Sicilia (Bajo)
Isaura, amiga de Amenaide (Mezzo)
Ruggiero, mozo de Tancredi (Soprano)
Nobles, caballeros, escuderos, pueblo, sarracenos...

Lugar y época de la acción: Siracusa, Sicilia, año 1005 Argirio, señor de Siracusa, promete la mano de su hija Amenaide a Orbazzano, duque de Sicilia y jefe de una facción enemiga, olvidando con esta boda viejos rencores y uniendo todas las fuerzas para luchar contra los sarracenos que asedian la ciudad.
Amenaide se desespera ya que ama a Tancredi, hijo del depuesto rey de Siracusa. Le envía una carta en la que le pide ayuda. Tancredi, exiliado de la ciudad acusado de traición regresa en secreto a Siracusa. Amenaide, sin decirle nada de su próxima boda, le propone huir junto a él. Amenaide rechaza la boda con Orbazzano a la que le obliga su padre.

(Final Ferrara) Tancredi, mortalmente herido, pero feliz por ver reconocida la inocencia de Amenaide pide a Argirio que los una en matrimonio, muriendo entre los brazos de la amada.

(Final Venecia) Tancredi persigue a Solamir al que vence en combate. El sarraceno, herido de muerte, le descubre la verdad, finalizando la acción con la reconciliación de los enamorados.

http://www.teatromaestranza.com/secciones/prog/prog_ficha.php?id=288#

Oh patria! - dolce e ingrata patria! alfine A te ritorno! - Io ti saluto, o caraTerra degli avi miei: ti bacio.

È questo Per me giorno sereno: Comincia il core a respirarmi in seno.

Amenaide! o mio pensier soave , Solo de' miei sospir, de' voti miei Celeste oggetto, io venni alfine: io voglio, Sfidando il mio destin, qualunque sia, Meritarti, o morir, anima mia.

Tu che accendi questo core,Tu che desti il valor mio, Alma gloria, dolce amore, Secondate il bel desio.

Cada un empio traditore, Coronate la mia fé.

Di tanti palpiti, Di tante pene, Da te mio bene, Spero mercé.

Mi rivedrai...Ti rivedrò...Ne' tuoi bei rai Mi pascerò.

Deliri - Sospiri...Accenti - Contenti!...Sarà felice - Il cor mel dice,I l mio destino - Vicino a te. D'Amenaide ecco il soggiorno

BAJO CONTINUO, MELODÍA EN MOVIMIENTO

2009-01-21T07:55:00.008+01:00

BAJO CONTINUO
Textura característica del barroco.

Es una técnica musical de acompañamiento.

Es el modo de escribir la estructura armónica de un acompañamiento, cuando solo el bajo está escrito en el pentagrama.

Los acordes se anotan en cifras, números, encima del bajo.

Disfruta

con esta grabación, movimiento, contraste, esto es Barroco. "Il Garfelino" de A. Vivaldi

Es una línea del bajo con relleno armónico.

Es un sistema de acompañamiento a base de acordes.
Puede desarrollarse con cualquiera de los instrumentos polifónicos de la época.

Los compositores barrocos escribían la línea melódica del bajo con unas cifras añadidas que indicaban al organista o clavecinista, los acordes que debería utilizar.

La sección compuesta por los instrumentos que tocan este bajo y los que lo realizan armónicamente también recibe el nombre de bajo continuo

Generalmente, el bajo continuo es ejecutado por un instrumento de teclas (cembalo, órgano, clave, laúd, arpa) que improvisa las armonías y un instrumento grave (viola de gamba, un violonchelo, contrabajo, o un fagot) que ejecutan solamente la línea escrita de bajo.

Hacia el clasicismo se abandona esta,

porque el compositor prefiere escribir con exactitud lo que debería ser tocado, sin embargo el cifrado barroco se sigue usando en el estudio de la armonía hasta nuestros días

http://www.basso-continuo.com/Musik/Dok003-e.htm#continuo

http://www.fortunecity.com/tinpan/lennon/193/modulacion.htm

PELÍCULAS AMBIENTADAS EN EL BARROCO. Música en el Barroco

2009-01-18T12:37:00.011+01:00

El Barroco, además de un periodo de la historia del arte, fue un movimiento cultural que se extendió en la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música desde 1600 hasta 1750 aproximadamente.

El estilo barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa.

Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX), el término barroco tuvo un sentido peyorativo con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que, posteriormente, fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob Burckhardt

Es una traducción francesa de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"), que significa "perla de forma irregular", o "joya falsa".

FOTO ORQUESTA BARROCA DE SEVILLA

La música del periodo barroco es el género musical relacionado con una época cultural europea, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).
Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.

En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, Luys de Milán, José de Nebra, Francisco Corselli, José de Torres, Jaime Facco y Joaquín García.
Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus obras, los italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini.

LOS CONJUNTOS INSTRUMENTALES PROVIENEN DEL RENACIMIENTO

Listado de grabaciones de la Música Barroca en Latinoamérica: http://www.taringa.net/posts/musica/1356477/Musica-Barroca-en-LatinoamÃ©rica.html

En España, el barroco supone el momento culmen de la actividad pictórica, destacando sobre un magnifico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Velázquez, Ribera, Murillo o Zurbarán. El periodo fue conocido como Siglo de Oro, como muestra de la gran cantidad de importantes figuras que trabajaran, a pesar de la crisis económica que sufría el país.
Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su tenebrismo. La pintura flamenca barroca influye notablemente en España, debido al mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como pintor de la corte.

Aquí queda una lista de reproducción de veinte películas ambientadas en el barroco, y alguna partitura y audición de la época, para verlas de forma individual:http://www.youtube.com/view_play_list?p=DE424E28F9119A77
o todas seguidas:

Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural

En música sobresalen Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach
En literatura española se encuentran Luis de Góngora y Francisco de Quevedo y Villegas.
En la literatura española de esta época en América, se encuentra principalmente Sor Juana Inés de la Cruz.
En pintura italiana están Caravaggio, y los Carracci
En la escultura italiana el exponente más célebre del barroco es Bernini.
En la escultura mexicana, destaca Jerónimo Balbás.
En la arquitectura Borromini

Obras destacadas del Barroco Musical
Año
Obra
Compositor
1607
Orfeo (ópera)
Claudio Monteverdi
1635
Fiori musicali
Girolamo Frescobaldi
16--
Daniele
Giacomo Carissimi
1640
Selva morale e spirituale
Claudio Monteverdi
1629-44
Symphoniae Sacrae
Heinrich Schütz
1666
Pasión según san Mateo
Heinrich Schütz
1685
Roland
Jean-Baptiste Lully
1689
Dido y Eneas
Henry Purcell
1699
Hexacordum apollinis
Johann Pachelbel
1700
Sonatas para violín y bajo continuo op. 5
Arcangelo Corelli
1680 c.
Canón
Johann Pachelbel
1717
Música acuática
Georg Friedrich Händel
1720
8 grandes suites
Georg Friedrich Händel
1722
Conciertos de Brandenburgo
Johann Sebastian Bach
1722-44
El clave bien temperado
Johann Sebastian Bach
1724
Giulio Cesare
Georg Friedrich Händel
1725
Las cuatro estaciones
Antonio Vivaldi
1727
Pasión según San Mateo
Johann Sebastian Bach
1706-28
3 libros de suites
Jean-Philippe Rameau
1713-30
4 libros de órdenes
François Couperin
1733
Música para la mesa
Georg Philipp Telemann
1742
El Mesías
Georg Friedrich Händel
1749
Música para los reales fuegos de artificio
Georg Friedrich Händel
1749-50
El arte de la fuga
Johann Sebastian Bach

ORFEO, METÁFORA ENTRE EL RENACIMIENTO Y EL BARROCO

2009-01-15T23:50:00.011+01:00

PARA COMPRENDER ESTA ÓPERA,

Y ESTE AUTOR,

TENEMOS QUE DARNOS CUENTA

QUE CON ÉL SE ACABA
EL RENACIMIENTO
Y APARECE UN NUEVO ESTILO MUSICAL, EL BARROCO.
AL IGUAL QUE ORFEO, MONTEVERDI HARÁ TODO LO POSIBLE POR RESCATAR DEL OLVIDO A SU EURIDICE, PERO EL TIEMPO PASADO SE QUEDA EN OTRO MUNDO.
En estas páginas puedes comenzar a comprenderlo, INFORMACIÓN Y TEXTO DE LA ÓPERA
http://sepiensa.org.mx/contenidos/2007/l_orfeo/orfeo_4.html

El Orfeo de Monteverdi y otras obras en esta Lista de reproducción:
http://es.youtube.com/view_play_list?p=DC3F4490DF533F7C

o aquí tienes los nueve vídeos:

Ritornello

CLAUDIO MONTEVERDI

(Italia, 1567-1643)

(Cremona, actual Italia, 1567-Venecia, 1643)

La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca es la del cremonés Monteverdi. Educado en la tradición polifónica de los Victoria, Lasso y Palestrina, este músico supo hacer realidad la nueva y revolucionaria concepción del arte musical surgida de las teorías de la Camerata Fiorentina, que, entre otras cosas, supuso el nacimiento de la ópera.
Hijo de un médico de Cremona, se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor: publicó su primera colección de motetes en Venecia cuando sólo contaba quince años. Su maestría en el arte de tañer la viola le valió entrar en 1592 al servicio del duque Vincenzo Gonzaga de Mantua, a la sazón una de las cortes más prósperas de Italia.
Tras seguir a su señor en la campaña contra los turcos en Austria y Hungría, y visitar Flandes, viajes éstos que le permitieron conocer otras escuelas musicales ajenas a la italiana, fue nombrado maestro de capilla de Mantua en 1601, con la función de proveer toda la música necesaria para los actos laicos y religiosos de la corte.

Una fecha clave en su evolución fue la del año 1607, en que recibió el encargo de componer una ópera. El reto era importante para un compositor educado en la tradición polifónica que hasta aquel momento había destacado en la composición de madrigales a varias voces, pues se trataba de crear una obra según el patrón que Jacopo Peri y Giulio Caccini; ambos músicos de la Camerata Fiorentina, habían establecido en su Euridice, una obra en un nuevo estilo, el llamado stile rappresentativo, caracterizado por el empleo de una sola voz que declama sobre un somero fondo instrumental. Una pieza dramático-musical, en fin, en que a cada personaje le correspondía una sola voz.

Esto, en la época suponía un cambio de mentalidad radical: el abandono de la polifonía, del entramado armónico de distintas voces, por el cultivo de una única línea melódica, la monodia acompañada. El resultado fue La favola d’Orfeo, composición con la que Monteverdi no sólo superó el modelo de Peri y Caccini, sino que sentó las bases de la ópera tal como hoy la conocemos. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/monteverdi.htm

CINE PARA EL SIGLO XVI: MÍSTICA, ERÓTICA Y PODER. La imagen, la palabra y la música

2009-01-13T05:36:00.007+01:00

Durante el Renacimiento dos reinados se enfrentan por tener un imperio que controle ambos lados del Atlántico

Las útlimas películas sobre esta época: La conjura de El Escorial y Elisabeth, la Edad de Oro

Cada país contará siempre la historia desde puntos de vistas diferentes. De la pelíscula Elisabeth podemos disfrutar la recreación de los trajes tal como aparecen en los cuadros de su época.

Aquí se añade el enlace a la lista de reproducción para ver una serie de vídeos y trailers sobre personajes y acontecimientos: El Greco, Lutero, Miguel Ángel, San Juan de la Cruz, Santa Teresa, La Reina Margot, La conquista de América, documentales, y vídeos para escuchar la música que realmente se hacía en aquella época y que no siempre coincide con el estilo más modernizado de las bandas sonoras, para impactar más al público: http://www.youtube.com/view_play_list?p=251A53222FB05BD1

En este blog se señalan también otras películas para ir completando la lista:http://davidprofesociales.wordpress.com/2008/12/08/los-siglos-xvi-y-xvii-en-el-cine-algunas-notas/

CLARO DE LUNA EN CREPÚSCULO

2008-12-20T20:07:00.011+01:00

La escena número trece de Twilight (Crepúsculo) en silencio con las voces de los protagonistas.

Poco a poco se escucha el comienzo de la pieza para piano "Claro de Luna" de la Suite Bergamasque del compositor impresionista Claude Debussy.

Le dará paso a la composición de Carter Burwell realizada para la banda sonora de la peícula, "Lullaby´s Bella"

Vídeo para Addara:

EL IMPRESIONISMO

DEBUSSY TOCANDO EL
PIANO PARA UNOS AMIGOS

CLAUDE DEBUSSY (1862 - 1918):
Origen
Nacido en el seno de una familia modesta sin preocupaciones artísticas, desde pequeño gozó de la protección de un acaudalado mecenas, Achille Rosa. Una discípula de Chopin, madame Mauté de Fleurville, lo preparó para afrontar los exámenes de piano para acceder al Conservatorio de París, que Debussy superó con brillantez cuando contaba diez años.
Viaje a Rusia. A los 17 años de edad conoció a Nadejda von Meck, quien era mecenas de Chaikovski. Ella lo llevó como su "músico privado" en un viaje por Florencia, Venecia, Viena y Moscú. En Rusia Debussy conoció la música de compositores como Alexandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Músorgski, así como el folclore ruso y gitano.
Prix de Rome. A su vuelta a París, Debussy empezó a distinguirse por su inconformismo, su desprecio por las reglas académicas y su singular imaginación en el terreno de la armonía, cualidades que le acarrearon la enemistad de los profesores más conservadores del conservatorio. Aun así, en 1884 obtuvo por su cantata El hijo pródigo el máximo galardón que concedía el conservatorio, el prestigioso Prix de Rome, que consistía en una beca por dos años en la villa Médici. Desde allí Debussy enviaba nuevas composiciones al comité del Grand Prix.
Impresionista y simbolista. Sus obras de ese período revelan la fascinación que el futuro autor de Pelleas et Melisande sentía entonces por la música de Richard Wagner. Su estilo no empezó a adquirir un carácter personal hasta La demoiselle elue, cantata de inspiración simbolista que en su ambigua armonía y su gusto por lo indeterminado, la insinuación matizada y el ornamento refinado anuncia ya algunas constantes de su producción. Aunque su música se califica de impresionista, algunos autores la hallan más cerca de la poética simbolista que del impresionismo pictórico de Claude Monet o Camille Pissarro.
Obras innovadoras. En 1894 compuso su primera gran obra maestra, el Preludio a la siesta de un fauno, partitura orquestal inspirada en un poema del poeta simbolista Stephane Mallarmé en la cual la música adquiere una dimensión puramente sonora.
En vídeo:

Algo similar puede decirse del posterior Pelleas et Melisande (Peleas y Melisenda), un drama lírico basado en una obra del poeta belga Maurice de Maeterlinck que sobresale por su atmósfera evocadora e indefinida, alejada de todo pathos romántico. Su estreno convirtió a Debussy en la cabeza de la nueva generación de músicos franceses, a pesar de la hostilidad con que esta ópera innovadora y audaz fue acogida por la crítica y un sector del público.
En 1909 le diagnosticaron un cáncer, que acabaría con su vida 9 años después.
La opinión de Pierre Boulez: Para el compositor y director de orquesta francés Pierre Boulez (1925-), «sólo a Debussy podemos situarlo junto a Anton Webern en una misma tendencia a destruir la organización formal preexistente en la obra, en un mismo recurrir a la belleza del sonido por sí mismo, en una misma pulverización elíptica del lenguaje». Para Boulez el verdadero precursor de la música contemporánea es Debussy, y no la tríada Ígor Stravinski, Arnold Schönberg y Bela Bártok: sin su obra no se entendería no sólo a Ravel, sino tampoco la de Edgard Varèse u Olivier Messiaen. Fue Debussy quien, al romper con la forma clásico-romántica de su tiempo, descubrió un lenguaje musical nuevo, libre, oscilante, abierto a otras posibilidades. Un lenguaje que, aunque tenía su origen en Wagner, establecía una alternativa diferente al modelo propuesto por éste en todos los parámetros que rigen la composición musical. A pesar de ello, no hay que ver en Claude Debussy un artista iconoclasta que reacciona contra el legado del pasado: la tradición, sobre todo la del barroco francés, reviste una trascendental importancia en su música, particularmente en sus últimas composiciones, tales como las tres sonatas de cámara. Esta dualidad otorga al legado debussiano su perenne actualidad.

Vídeo,VERSIÓN PARA PIANO Y VIOLÍN para Esperanza y Estrella

Vídeo para Belén y Bernardo:

CARTER BURWELL

Carter Burwell (n. 18 de noviembre de 1955) es un compositor estadounidense de música cinematográfica.
Como compositor, Burwell ha tenido una larga relación de trabajo con los hermanos Coen, encargándose de la banda sonora para cada una de sus películas. También ha trabajado en películas del director Spike Jonze. Además de su trabajo junto a los Coen, ha compuesto música para And the Band Played On (1993), Conspiración (1997), Hamlet (2000), The Spanish Prisoner (1997), y Before the Devil Knows You're Dead (2007).
Burwell se casó en 1999 con Christine Sciulli.
Toco en una banda llamada Thick Pigeon with Stanton Miranda, el grupo lanzó dos álbums, Too Crazy Cowboys y Miranda Dali.

Trabajos como compositor [editar]
Hail Caesar (2009)
Burn After Reading (2008)
Twilight (2008)
In Bruges (2008)
Before the Devil Knows You're Dead (2007)
No Country for Old Men (2007)
The Hoax (2006)
' (2006)
The Kinsey Report: Sex on Film (2005) (V)
Kinsey (2004)
The Alamo (2004)
El quinteto de la muerte (2004)
Intolerable Cruelty (2003)
Shooting 'Miller's Crossing': A Conversation with Barry Sonnenfeld (2003)
Minnesota Nice (2003)
El ladrón de orquídeas (2002)
S1m0ne (2002)
Searching for Paradise (2002)
The Rookie (2002)
EL hombre que nunca estuvo allí (2001)
A Knight's Tale (2001)
Book of Shadows: Blair Witch 2 (2000)
Antes que anochezca (2000)
What Planet Are You From? (2000)
Hamlet (2000)
Mystery, Alaska (1999)
Tres reyes (1999)
Being John Malkovich (1999)
La hija del general (1999)
The Corruptor (1999)
The World of Gods and Monsters: A Journey with James Whale (1999) (V)
An Intimate Look Inside the Acting Process with Ice Cube (1999) (V)
The Hi-Lo Country (1998)
Velvet Goldmine (1998)
El gran Lebowski (1998)
Gods and Monsters (1998)
The Jackal (1997)
The Spanish Prisoner (1997)
The Locusts (1997)
Conspiracy Theory (1997)
Assassin(s) (1997)
Picture Perfect (1997)
Girls Night Out (1997)
The Chamber (1996)
Joe's Apartment (1996)
Angel y demonio (1996)
Fargo (1996)

MENSAJE DESDE LA PREHISTORIA: BAILAD

2008-12-20T16:01:00.008+01:00

DESDE LOS COMIENZOS DE LA HUMANIDAD, EL SER HUMANO SINTIÓ LA ESPONTANEIDAD Y NECESIDAD DE BAILAR

Desde la Prehistoria sabemos que se baila.
Observa este vídeo: LA IDEA ES GENIAL

Si no lo ves bien con buena calidad ven a este enlace: http://antwrp.gsfc.nasa.gov/apod/ap080722.html

Estas imágenes pertenecen a cuevas en España, Europa, Asia y África

LA GENTE SIEMPRE BAILARÁ

SEVILLA SIGLO XVI

2008-12-06T16:51:00.012+01:00

ESTA PÁGINA OFRECE INFORMACIÓN MUY BUENA Y MUY CLARA:

http://personal.us.es/alporu/histsevilla/index.htm

NOS VAMOS A LA ÓPERA

2008-12-05T23:31:00.007+01:00

Lo speziale, Der Apotheker o El boticario, es una ópera bufa en tres actos compuesta por Joseph Haydn (1732-Viena, 1809) sobre un libretto de Carlo Goldoni, dramaturgo (Venecia, 1707 –1793). Siendo la primera de las tres ocasiones en que ambos trabajarían juntos.

La ópera fue compuesta y estrenada en 1768 con motivo de la inauguración del teatro del castillo de Esterháza y obtuvo un gran éxito de crítica y público. Parte del tercer acto se perdió en un incendio, perdurando hasta nuestros días el primer y segundo acto, así como el final de la ópera y un aria del tercer acto.

Personajes
Mengone, aprendiz de Sempronio (Tenor)
Grilletta, amada por Mengone, pupila de Sempronio(Soprano)
Sempronio, viejo boticario, tutor de Grilletta, (Tenor )
Volpino, joven rico, enamorado de Grilletta, (Mezzosoprano)

Sinopsis
Un farmacéutico bastante mayor, Sempronio está determinado a casarse con una joven mujer, Grilletta, más por dinero que por ninguna otra razón. Hasta aquí el argumento recuerda otras óperas como Il barbiere di Siviglia, pero en esta ocasión, no se trata de un triángulo sino de un rectángulo amoroso. Sempronio tiene dos jóvenes rivales, el primero es Mengone, aprendiz de Sempronio que solamente está trabajando con él para poder estar más cerca de Grilletta. El otro es Volpino, un joven rico de la ciudad. La ópera se desarrolla en la farmacia de Sempronio lo que da al compositor alas para escribir originales arias en las que farmacéutico y auxiliar recetan interminables listas de remedios para diversas enfermedades.

Casa en la que vivió Joseph Haydn

Por lo demás la ópera tiene todos los elementos de tradicionales de la época, incluyendo situaciones que dan lugar a equívocos, algún travestido y un lieto fine. Finalmente es Mengone el que consigue casarse con Grilletta.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Lo_speziale"

http://www.diariodesevilla.es/article/ocio/303801/maestranza/ofrece/la/opera/lo/speziale/haydn/con/montaje/y/voces/para/jovenes.html

La obra, que dura dos horas, está interpretada por cuatro voces y acompañada por una orquesta reducida, como de cámara, no es en absoluto elitista ni aburrida, sino que es "simpática, fresca y joven", según Serrate, quien elogió el esfuerzo hecho por los cantantes para trasladar la acción a un escenario de grandes dimensión, además de por la gesticularidad y las dotes dramáticas que los papales le exigen.
El director también destacó la juventud del reparto - la soprano granadina Sandra Pastrana tiene 30 años- por lo que confió en que serán capaces de transmitir el potencia de alegría y entusiasmo que posee la obra.
"Cantar es hablar desde el corazón hacia el público", afirmó Serrate al destacar la importancia de los recitativos y al definir la obra "como un bombón" lleno de sentido del humor, repleta de bromas, de dobles sentidos y de chistes.
El director explicó que sólo los dos primeros actos son de Haydn, ya que buena parte del tercero se perdió y fue reconstruido, de ahí que tenga "momentos más románticos" que "se notan poco, pero se notan".
El director de escena Patrick Mailler aseguró que esta nueva versión mantiene el mismo espíritu de la que se estrenó hace seis años y que "la obra tiene vocación de divertir", a la vez que misión ha sido la de motivar a los cantantes, algo a lo que la mezzosoprano Angélica Mansilla correspondió al afirmar que, al hacer un papel masculino, su personaje parece "sacado de los dibujos animados".
La soprano Sandra Pastrana aseguró que la obra es tan divertida e interpretan tanto que cuando sale al escenario se le olvida que tiene que cantar, mientras que el también joven tenor Juan Antonio sanabria confesó que es la primera vez que canta a Haynd, si bien sus partituras le vienen muy bien a su voz.
El tenor Manuel de Diego, que aseguró tener en el Maestranza "su segunda casa" mostró su alegría por asistir al debut de Serrate en el foso, porque también cantó en el de Pedro Halffter, actual director del Maestranza, en el de la Zarzuela de Madrid.

Franz Joseph Haydn es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el "Padre de la Sinfonía" y el "Padre del Cuarteto de Cuerda".

Entró como niño cantor en el coro de la Catedral de San Esteban en Viena, donde estuvo durante nueve años, hasta que en 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico independiente, transcurriendo diez años difíciles; entre otras cosas fue sirviente del compositor italiano Nicola Porpora. Haydn sacó partido de estos años al ir adquiriendo mayores conocimientos musicales, hasta el punto que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera, además de que su reputación como compositor empezó a crecer y se hizo conocido de personas influyentes de Viena.

Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante: la de director musical del conde de Morzin. Al mismo tiempo componía sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde de Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del Imperio Austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría.

Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta. Empezó a trabajar para el príncipe Paul Anton Esterházy en 1762, y muerto éste en 1763, sirvió a su hermano Nicolás llamado el magnífico durante casi treinta años. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, así como organizar el montaje de óperas (presentaba todas las semanas dos óperas y dos conciertos, además de las obras especiales para los visitantes destacados, y conciertos de música de cámara diarios en los que el propio príncipe tocaba la viola de bordón). A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado: "mi príncipe está satisfecho con toda mi obra, se me elogia, y yo como director de orquesta puedo hacer experimentos, observar qué refuerza un efecto y qué lo atenúa y hacer mejoras, intentando cosas nuevas".

Un año después de la Revolución Francesa de 1789 que conmocionó a toda Europa, en 1790 murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo, aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo gitano para trío con piano.
Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda.

HOY COMAMOS Y BEBAMOS, JUAN DEL ENCINA

2008-12-05T03:26:00.000+01:00

POEMAS DE JUAN DEL ENCINA, CANCIONES ROMANCES, VILLANCICOS: http://www.los-poetas.com/e/encina1.htm

CANTIGAS

2008-12-05T03:11:00.007+01:00

Imagen de la cantiga nº 100 "Strela do dia". Cantigas de Santa María de Alfonso X, El Sabio.

MARTÍN CÓDAX
Martín Codax (o Martim Codax) fue un juglar gallego, posiblemente de Vigo, por las continuas referencias a dicha ciudad en sus poemas, de entre mediados del siglo XIII y comienzos del siglo XIV. Apenas existen datos sobre la identidad del personaje.
El corpus literario a él atribuido se limita a 7 cantigas de amigo que figuran en los cancioneros de lírica galaicoportuguesa y en el Pergamino Vindel, en el que figura su nombre como autor de las composiciones. El descubrimiento de este pergamino fue fruto del azar: sucedió cuando Pedro Vindel a principios del siglo XX lo encontró en su biblioteca, sirviendo de forro a un ejemplar del De officiis de Cicerón.

Los poemas Y MÚSICA de Martín Codax que figuran en el pergamino son los siguientes (sin título, se citan por su primer verso):

Ondas do mar do Vigo
Mandad'ei comigo ca ven meu amigo
Mia yrmana fremosa treides comigo
Ay Deus se sab'ora meu amado
Quantas sabedes amar amigo
En o sagrad' e Vigo (Sólo texto, sin notación musical)
Ay ondas que eu vin veer

Alfonso X, el Sabio

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Alfonso X el Sabio (1221-1284), rey de Castilla y de León (1252-1284). Hijo de Fernando III (1217-1252) y Beatriz de Suabia. A la muerte de su padre reanudó la ofensiva contra los musulmanes, ocupando las fortalezas de Jerez (1253) y Cádiz (c. 1262). En 1264 tuvo que hacer frente a una importante revuelta de los mudéjares asentados en el valle del Guadalquivir. La tarea más ambiciosa del rey fue su aspiración al Sacro Imperio Romano Germánico, proyecto al que dedicó más de la mitad de su reinado. La última familia que había ostentado la titularidad del Imperio eran los Staufen, de la que descendía por línea materna Alfonso X. Junto al rey sabio apareció otro candidato al Sacro Imperio, el inglés Ricardo de Cornualles. En 1257 los siete grandes electores del emperador no unificaron su decisión y durante varios años el Imperio estuvo vacante, ya que ninguno de los dos candidatos consiguió imponerse. Finalmente, en septiembre de 1272 Rodolfo de Habsburgo fue elegido emperador y en mayo de 1275 Alfonso X renunció definitivamente al Imperio ante el papa Gregorio X.

Los últimos años de su reinado fueron especialmente sombríos. Desde 1272 un sector de la alta nobleza se enfrentó al monarca. Además, la muerte en 1275 del infante Fernando, primogénito de Alfonso X, abrió un disputado pleito de sucesión. Los hijos de este infante, los llamados infantes de la Cerda, Alfonso y Fernando, pugnaron por la sucesión a la Corona con el infante Sancho, segundo de los hijos de Alfonso X. Finalmente fue este último infante el que consiguió imponerse en el trono.

En el terreno económico Alfonso X facilitó el comercio interior en su reino con la concesión de ferias a numerosas villas y ciudades. El rey estableció un sistema fiscal y aduanero avanzado que potenció los ingresos de la Hacienda regia. La más conocida disposición del rey sabio en asuntos económicos fue el reconocimiento jurídico del Honrado Concejo de la Mesta, institución aglutinadora de los intereses de la ganadería trashumante del reino.

Una de las facetas más importantes de su reinado fue su labor legisladora, indisolublemente ligada a la introducción en Castilla y León del Derecho Romano. Bajo su impulso se organizó un formidable corpus de textos jurídicos, tanto doctrinales como normativos. Sus obras más significativas en este terreno fueron el Fuero Real, el Espéculo y las Siete Partidas.

Las grandes realizaciones del monarca en el campo de la cultura le merecieron con justicia el apelativo de 'Sabio'. La nota más singular de su empresa cultural fue su vinculación simultánea a Oriente y Occidente. Con él se desarrolló en la Corona de Castilla una cultura de síntesis, en la que entraban ingredientes tanto cristianos como musulmanes y judíos. La fecundidad de la colaboración entre intelectuales de las tres culturas tiene su máxima expresión en la Escuela de Traductores de Toledo. Dentro de esta magnífica empresa cultural brilla con luz propia la Astronomía, cuya obra más significativa fue las Tablas astronómicas alfonsíes elaboradas en 1272. La actividad historiográfica de Alfonso X y de sus colaboradores se concretó en obras como la Estoria de España y la Grande e General Estoria, redactadas en lengua romance como prueba del importante apoyo del monarca al idioma castellano. En el campo de la poesía Alfonso X nos ha transmitido un espléndido repertorio de Cantigas, siendo las más conocidas las de carácter religioso o de Santa María. El monarca castellano-leonés potenció notablemente los estudios musicales y en el terreno propiamente recreativo destaca la obra que salió de los talleres alfonsinos llamadas Libros de axedrez, dados e tablas. Por lo que se refiere a la arquitectura, la obra más importante llevada a cabo durante su reinado fue la catedral de León. http://www.geocities.com/CapitolHill/Lobby/2679/alfons10.htm

LA MÚSICA EN AL-ANDALUS

2008-11-30T13:29:00.001+01:00

NO PODEMOS HABLAR DE LA MÚSICA MEDIEVAL SIN NOMBRAR LA IMPORTANCIA DE LA MÚSICA ANDALUSÍ. http://www.youtube.com/watch?v=nyNscIXooko
http://www.alarde.com/revista/articulos/musarabestud/alandalus.htm

TRAS TANTOS DE SIGLOS DE LA PRESENCIA MUSULMANA EN ESPAÑA NOS HAN LLEGADO SUS OBRAS DE ARTE, EL ESPLENDOR DE SU ARQUITECTURA, LOS CONOCIMIENTOS CIENTÍFICOS. http://www.balansiya.com/musica.htm http://www.andalucia.cc/axarqiya/poesia_musica_andalusi.htm LA HERMOSURA DE SU LITERATURA.

http://www.youtube.com/watch?v=3tufw2IVZFg&feature=related

LA MÚSICA TAMBIÉN DEJÓ SU HUELLA, Y MÁS CUANDO HABÍAN ALCANZANDO UN REFINAMIENTO Y DELICADEZA TAN ALTOS QUE ERAN ADMIRADOS POR LOS REINOS CRISTIANOS. http://www.musicasdelmundo.org/article.php?story=20030724041124974
DESDE EL SIGLO IX, PRESENCIA DE LA ESCUELA MUSICAL CREADA POR EL PERSA ZIRYAB apodado EL "PÁJARO NEGRO" (MIRLO), http://es.wikipedia.org/wiki/Ziryab
POR LA BELLEZA DE SU VOZ, CÓRDOBA CAERÁ RENDIDA ANTE EL PERSONAJE TAN REFINADO, AL QUE IMITARÁN HASTA EN SU FORMA DE VESTIR. CÓRDOBA TAMBIÉN PRENDADA DE LA CREACIÓN DE MELODÍAS, FORMAS MUSICALES TAN ELABORADAS, SUS ESCLAVAS INSTRUMENTISTAS Y CANTORAS, EDUCADAS DESDE PEQUEÑAS PARA LA PERFECCIÓN MUSICAL.
http://www.andalucia.cc/axarqiya/musica_andalusi.htm

EN LOS JARDINES DE LA NOBLEZA SE ESCUCHABAN LAS COMPOSICIONES TAN BELLAS QUE TODOS COMPETÍAN POR OFRECER LO MEJOR. http://fundacionculturaydeporte.com/?q=node/110
ESE REFLEJO NOS LLEGÓ A TRAVÉS DE LOS INSTRUMENTOS, LOS REPERTORIOS DE POESÍA Y MÚSICA, LAS MELODÍAS QUE NO SÓLO INFLUYERON EN LOS COMPOSITORES CRISTIANOS MEDIEVALES, SINO QUE UN REFLEJO SE FUE ESPARCIENDO ENTRE LOS MÚSICOS POSTERIORES

http://www.juntadeandalucia.es/averroes/~14700596/departamentos/musandalus.htm

http://www.youtube.com/watch?v=bqN1zcW-PuY&feature=related

LA EDUCACIÓN MUSICAL EN EL CALIFATO DE CÓRDOBA: http://musica.rediris.es/leeme/revista/argueda.htm

http://www.webislam.com/?idt=2561

http://www.youtube.com/watch?v=hw-d1wXfhf0&feature=related

http://www.alyamiah.com/cema/modules.php?name=News&file=article&sid=425

http://www.arteguias.com/andalusi.htm

http://www.temakel.com/musicaislam.htm

http://www.lastfm.es/music/Anouar+Brahem/_/les+jardins+de+Ziryab

http://www.telefonica.net/web2/bibiotecaandalusi/Bibioteca%20de%20cultura/HISTORIA%20ANDALUZA/La%20musica%20de%20al-Andalus.pdf

http://www.tupatrocinio.com/patrocinio.cfm/proyecto/49765110052249565257556749494557.html

http://www.libreria-mundoarabe.com/biblioteca/856ma.htm

Temas para tratar: http://216.239.59.132/search?q=cache:F5YdguIRTcsJ:www.ugr.es/~histarte/musica/profesores/manuela/AL-ANDALUS.doc+MUSICA+AL+ANDALUS&hl=es&ct=clnk&cd=30&lr=lang_es

http://www.islamyal-andalus.org/control/noticia.php?id=780

http://www.islamyal-andalus.org/control/noticia.php?id=1516

http://www.youtube.com/watch?v=nyNscIXooko

INSTRUMENTOS MUSICALES MEDIEVALES

2008-11-20T01:19:00.000+01:00

IMÁGENES EN TORNO A LA MÚSICA DE LA EDAD MEDIA

PARTITURA DE MARTÍN CODAX

ESCRITURA MUSICAL

LA PIEDRA HECHA SONIDO,

DANZA Y MELODÍA

ENLACES IMPORTANTES:http://www.zingzang.org/historiaviva/enlaces/musica.shtml

PARTITURA DE MARTÍN CODAX: http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Martim_Codax_Cantigas_de_Amigo.jpg

http://brassy.club.fr/PartMed/Amigo/amigo.html

http://www.hispanismo.org/showthread.php?t=1366

CANTIGAS DE SANTA MARÍA http://www.pbm.com/%7Elindahl/cantigas/

CENTRO DE ESTUDIOS DE LAS CANTIGAS UNIVERSIDAD DE OXFORD
http://es.wikipedia.org/wiki/Cantigas_de_Santa_MarÃa

EL AMOR CORTÉS

INSTRUMENTOS:PÁGINA CON AUDIO IMÁGENES Y TEXTOS: http://www.instrumentsmedievaux.org/pages/depart.html

http://www.arteguias.com/musicamedieval.htm

LA MIRADA HACIA ITALIA, PREPARANDO EL RENACIMIENTO

http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/jpg/BAM09958.jpg

RELACIÓN CON LA LITERATURA:http://www.kalipedia.com/popup/popupWindow.html?anchor=klpcnatun&tipo=imprimir&titulo=Imprimir%20Art%C3%ADculo&xref=20070418klplylliu_50.Kes

VENI CREATOR SPIRITUS

2008-11-03T16:21:00.000+01:00

Este canto gregoriano es un Himno para el tiempo de Pentecostés.
Conmemora la llegada del Espíritu Santo

http://es.wikipedia.org/wiki/Veni_Creator

http://www.youtube.com/watch?v=sVqalU2yKjI

http://www.youtube.com/watch?v=Z2aJu2IgGwY

http://www.youtube.com/watch?v=7cuOFKwp2Vg
(CON ÓRGANO Y TEXTO PARA SEGUIR)

http://www.youtube.com/watch?v=RQXuJX_Cdgw&feature=related
MAHLER, SINFONÍA 8, VENI CREATOR

Análisis de la partitura:

http://perso.wanadoo.es/antoninesdos/veni.htm

LA EDAD QUE DURÓ MIL AÑOS

2008-11-02T14:21:00.001+01:00

En esta página se indican las direcciones con información sobre la música en la Edad Media. La música sacra y la música profana

Empecemos por un esquema general muy claro y que se puede guardar: http://rcubero.iespana.es/dptomusica/selec/la%20mÚsica%20en%20la%20edad%20media.doc

http://es.wikipedia.org/wiki/MÃºsica_espaÃ±ola_en_la_Edad_Media

Aquí se puede descargar directamente un pequeño libro (16 páginas y con fotos grandes) sobre la música medieval:

http://dc86.4shared.com/download/45590552/4fe70768/Historia_De_La_Musica_-_Edad_Media_Y_Musica_Sacra.PDF

Este enlace se obtuvo a partir de la página que permite descargar libros: http://www.cuantolibro.com/

Páginas de centros educativos con diversos enlaces sobre historia de la música:

Muy útil para Bachi: http://perso.wanadoo.es/antoninesdos/consejostema5.htm
http://blog.educastur.es/rosarioamusica/historia-de-la-musica/

El rincón del vago resulta cómodo siempre como introducción general:http://html.rincondelvago.com/historia-de-la-musica_10.html

http://html.rincondelvago.com/edad-media-musical.html

http://www.todomonografias.com/musica/historia-de-la-musica-parte-1/

Comencemos ya por el Canto Gregoriano, reforma que se impuso en toda la cristiandad, supuso la desaparición de otros ritos litúrgicos, como fue el rito mozárabe.

Imagen del Antifonario Mozárabe de León

EL CANTO GREGORIANO. MÚSICA LITÚRGICA

Páginas sobre canto gregoriano:

Esta página en su versión española ofrece muchas explicacioones y links a los monasterios y abadías, con lo que permite ir ampliando la información http://interletras.com/canticum/

Escuelas de Notación:http://es.geocities.com/notacionmusical/escuelasnotneu.htm

Sobre notación y ritmo en la Edad Media: http://centros.uv.es/web/departamentos/D210/data/informacion/E125/PDF171.pdf

Hildegarda von Bingen

MÚSICA NO LITÚRGICA

MÚSICA RELIGIOSA NO LITÚRGICA. Cantigas a Santa María facsímil y miniaturas

http://www.pbm.com/~lindahl/cantigas/

Versión original en gallego
Santa Maria,
Strela do dia,
mostra-nos via
pera Deus e nos guia.
Ca veer faze-los errados
que perder foran per pecados
entender de que mui culpados
son; mais per ti son perdõados
da ousadia
que lles fazia
fazer folia
mais que non deveria.
Santa Maria,
Strela do dia,
mostra-nos via
pera Deus e nos guia.
Amostrar-nos deves carreira
por gãar en toda maneira
a sen par luz e verdadeira
que tu dar-nos podes senlleira;
ca Deus a ti a
outorgaria
e a querria
por ti dar e daria.
Santa Maria,
Strela do dia,
mostra-nos via
pera Deus e nos guia.
Guiar ben nos pod' o teu siso
mais ca ren pera Parayso
u Deus ten senpre goy' e riso
pora quen en el creer quiso;
e prazer-m-ia
se te prazia
que foss' a mia
alm' en tal compannia.
Santa Maria,
Strela do dia,
mostra-nos via
pera Deus e nos guia.

Versión traducida al español
Santa María,
Estrella del dia,
muéstranos la vía
para Dios y guíanos.
Porque haces ver a los errados
que se perdieron por sus pecados
y entender cuán culpables
son; mas por ti son perdonados
de la osadía
que les hacía
hacer locuras
que no deberían.
Santa María,
Estrella del dia,
muéstranos la vía
para Dios y guíanos.
Debes mostrarnos el camino
para ganar en toda manera
la luz sin par y verdadera
que tú puedes darnos señera;
porque a ti Dios
te la concedería
y la querría
dar por ti y la daría.
Santa María,
Estrella del dia,
muéstranos la vía
para Dios y guíanos.
Guiarnos bien puede tu juicio
además hacia el Paraíso
que Dios tiene siempre gozo y alegría
para quien en él creer quiso;
y me placería
si te placía
que fuese mi
alma en tal compañía.
Santa María,
Estrella del dia,
muéstranos la vía
para Dios y guíanos.

Para escuchar las cantigas, aunque es formato midi:

http://brassy.club.fr/PartMed/Cantigas/CSMIDI.html

Las imágenes de todas las miniaturas:http://www.3to4.com/Cantigas/e_index.html

LA MÚSICA PROFANA
http://www.filomusica.com/filo79/codax.html
De esta dirección son importantes los enlaces:http://es.wikipedia.org/wiki/Cantigas_de_Santa_MarÃa
Audio de Cantiga de Amigo:http://www.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras?portal=65&Ref=10922&audio=0

http://portales.educared.net/wikiEducared/index.php?title=Cantigas_de_amor

http://portales.educared.net/wikiEducared/index.php?title=Mart%C3%ADn_Codax

Ensayo sobre las Cantigas:

http://www.goldbergweb.com/es/magazine/essays/1997/12/154_print.php

http://revistas.ucm.es/ghi/02146452/articulos/ANHA0303110083A.PDF

Este documento es muy claro y sencillo, guía para escuchar una cantiga http://www.ieslucasmallada.com/Dismusi/Aspectos%20cantiga.doc

Música andalusí:
http://www.cervantesvirtual.com/FichaObra.html?Ref=20245
http://www.alyamiah.com/cema/modules.php?name=News&file=article&sid=129
http://www.juntadeandalucia.es/averroes/~14700596/departamentos/musandalus.htm
http://espanol.geocities.com/entroilo/medie.html

Trovadores:

http://es.wikipedia.org/wiki/Trovador

Juglares:

http://www.goldbergweb.com/es/magazine/essays/2004/08/24943.php