Flute-beatbox INNOVACIÓN TÉCNICA S.XXI. UTILIZA LOS SONIDOS DEL BEATBOX. PERMITE EL USO DE LA FLAUTA COMO INSTRUMENTO RÍTMICO Y MELÓDICO AL COMBINAR LOS TONOS CON LA PERCUSIÓN VOCAL.
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CUATRO MINUTOS, El trailer
Una anciana pianista que da clases de música en una cárcel alemana, descubre el talento de una joven y conflictiva presa, Jenny, de 21 años, y decide presentarla a un certamen musical para jóvenes intérpretes. Las dos mujeres, absolutamente opuestas en apariencia, se verán obligadas a trabajar en equipo y a aprender a conocerse y respetarse.Se observa la diferencia del sentido de lo íntimo con el piano del romanticismo. Ejemplo de las Escenas de niños de Robert Schumann, op. 15, nº7 con el título "Ensoñación" (Al:Traumerei, fr: Rêverie). Una versión para piano y otra adaptada para cuerda.
MANUEL DE FALLA, EL AMOR BRUJO
MANUEL DE FALLA (CÁDIZ 1876- ARGENTINA 1946)CREÓ ESTA OBRA ENTRE 1914-1915 POR ENCARGO DE PASTORA IMPERIO, COMO "EL AMOR BRUJO,LA GITANERÍA EN UN CUADRO Y DOS ACTOS", (Se trataba de una pieza para voz y orquesta de cámara) SE HICIERON 30 REPRESENTACIONES EN 1915, CON IMPERIO ARGENTINA COMO PRIMERA ACTRIZ, DESPUÉS NADA MÁS SE ESCUCHÓ EN CONCIERTOS. EN 1925 VUELVE AL TEATRO, ANTONIA MERCÉ "LA ARGENTINA" Y MANUEL DE FALLA PRESENTAN EN PARÍS UNA NUEVA VERSIÓN. Falla transformó la primera versión en un ballet para orquesta sinfónica (y piano), con tres canciones cortas para mezzo-soprano con este formato, El amor brujo con este formato sí triunfó.
Cuenta la historia de Candela, una muchacha gitana, cuyo amor por Carmelo se ve atormentado por su descreído antiguo amante. La obra es de carácter marcadamente andaluz, tanto en lo musical como en lo literario. El libreto fue escrito por Gregorio Martínez Sierra en dialecto andaluz, si bien se ha llegado a poner en duda su autoría, en favor de su mujer, María de la O Lejárraga García, feminista apasionada que publicó obras bajo el nombre de su marido. La música incluye las famosas DANZA RITUAL DEL FUEGO, Danza del fuego fatuo, y Danza del terror.
NANA DE MANUEL DE FALLA: CANCIONES POPULARES ESPAÑOLAS Nº5
(PARA QUE DESCANSÉIS)
LA MELODÍA ETERNA, RICHARD WAGNER
Para consultar biografía: http://www.wagnermania.com/Biografia/, más información y enlaces a su obra http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Wagner
Esta página es importante, se puede escuchar su música: http://www.epdlp.com/compclasico.php?id=941
Los siguientes acertados comentarios pertenecen a: http://www.dooyoo.es/archivos-musica/wagner-richard/276270/
- Quizá el más más importante de todos ellos sea la anteposición del drama a cualquier otro aspecto de la ópera. Hablando en términos cinematográficos, sería anteponer el guión al resto de elementos de la película: interpretaciones de actores, efectos, dirección, dirección artística, música, etc.
- Por lo tanto, los aspectos orquestales y vocales de la obra quedan subordinados al fin último del drama o poema. Esto supondría después la eliminación de los números de ópera clásicos tales como arias, duetos, canciones, así como cualquier otro número vocal, coral u orquestal que fuese independiente del poema dramático
- La sustitución de dichos números por el uso de un recitativo poético y continuo, acompañado de manera ininterrumpida e impenitente por la llamada "gran orquesta wagneriana", asentada sobre las bases que antes habían establecido Beethoven, Weber y Berlioz y reforzada en número de músicos respecto a los estándares de la época
- Wagner es, podría decirse, el máximo exponente del llamado Leitmotiv, o motivos conductores principales. El uso intensivo de estos elementos de expresión, que se asocian a personajes, objetos o ideas concretas, dotan de estructura a todo el conjunto dramático; estos novedosos elementos, integrados armónicamente en el drama, darían lugar a un nuevo concepto musical denominado "melodía infinita".
- La orquestación de las partituras, que llegaría a ser espectacular, provocando incluso cambios de estilo en las voces de los cantantes- El uso de la mitología y leyendas alemanas, y europeas en general, como temas esenciales de sus creaciones
- Una nueva concepción de la tonalidad se empezó a plantear seriamente desde la composición de 'Tristán e Isolda', donde el uso intensivo de notas cromáticas en una melodía provoca un efecto extraño en el oído humano, cercano a lo "desafinado". Sus composiciones son barrocas en notas y, se dice, conforman conjuntos humanamente imposibles de ser tocados (esto último lo leí en un relato corto de Patrick Süskind titulado 'El contrabajo').
-Se representó 'Der fliegende Hollander' (El holandés errante), una ópera con la que Wagner dio un paso de gran importancia hacia el drama musical. En ella utiliza, desde la obertura, la unión de temas musicales a los personajes principales, a los sentimientos y hechos del drama, adquiriendo gradualmente la noción de tema conductor o leitmotiv, que sería esencial en la forma de componer del maestro en sus óperas posteriores.
- Una nueva concepción de la tonalidad se empezó a plantear seriamente desde la composición de 'Tristán e Isolda', donde el uso intensivo de notas cromáticas en una melodía provoca un efecto extraño en el oído humano, cercano a lo "desafinado". Sus composiciones son barrocas en notas y, se dice, conforman conjuntos humanamente imposibles de ser tocados (esto último lo leí en un relato corto de Patrick Süskind titulado 'El contrabajo').
-Se representó 'Der fliegende Hollander' (El holandés errante), una ópera con la que Wagner dio un paso de gran importancia hacia el drama musical. En ella utiliza, desde la obertura, la unión de temas musicales a los personajes principales, a los sentimientos y hechos del drama, adquiriendo gradualmente la noción de tema conductor o leitmotiv, que sería esencial en la forma de componer del maestro en sus óperas posteriores.
Siguiendo en su evolución hacia un nuevo tipo de teatro musical, comenzó la composición de 'Lohengrin', pero su participación activa en los hechos revolucionarios de Dresden de 1848 y 1849, le obligó a exiliarse en Suiza. 'Lohengrin' se estrenó en Alemania mientras Richard Wagner permanecía en el exilio. En ella se ve que la estructura de la obra ya está basada íntegramente en el uso del leitmotiv.En Suiza concibe una gigantesca obra, basada en la mitología germánica, con un contenido simbólico de considerable complejidad. La nueva obra de Wagner formará un ciclo de óperas, la tetralogía 'El anillo de los nibelungos', que giran en torno al mítico oro del Rin, convirtiéndose en la obra musical de mayor envergadura creada por un sólo hombre. Tardó 20 años en finalizarla.
HISTORIA DE AMOR EN EL OESTE, BUSCADORES DE ORO
Maravillosa representación de Puccini
Para conocer su biografía y escuchar su obra:
http://www.epdlp.com/compclasico.php?id=1095 entra para disfrutar de sus melodías que te envolverán.
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Fotografía de la ópera 1910
Teatro de la Maestranza de Sevilla.
Aparecieron
dos hermosos
caballos blancos de Huelva,
"Cascanueces" y "Cantinela",
primero tirando de la diligencia,
después con los jinetes.
Carteles de las famosas óperas:
EL CANON MÁS FAMOSO
Hablar de Canon ahora mismo nos viene a la cabeza, "el impuesto del canon"...
Esto lo dejaremos para comentar en otros lugares...
A pesar de todo el CANON más conocido sigue siendo el de PACHELBEL
Canon, composición de contrapunto en la que varias voces repiten sucesivamente lo que cantaron las anteriores
ESTE ES EL BAJO QUE SE REPETIRÁ ETERNAMENTESALTOS DE CUARTA DESCENDENTES QUEDARON FIJADOS EN LAS MENTES DE LA CULTURA OCCIDENTAL
El Canon en >re mayor para tres violines y bajo continuo; en el original alemán: Kanon und Gigue in D-Dur für drei Violinen und Basso Continuo, es la obra más conocida en la actualidad del compositor de música barroca alemán >Johann Pachelbel. >Pachelbel escribió esta obra alrededor de 1680, siendo originalmente una obra de música de cámara para tres violines y bajo continuo; posteriormente se han realizado arreglos para una gran variedad de instrumentos y conjuntos. Originalmente, una giga en la misma tonalidadA> (re mayor) sigue al canon, pero esta última danza se ejecuta o graba con mucha menos frecuencia.
El Canon es muy conocido por la progresión armónica de los instrumentos de cuerda, que lo han convertido en una de las piezas más reutilizadas en la música popular contemporánea.
VOLVEMOS A LA ÓPERA, CON ROSSINI
Gioachino Rossini, Italia 1792 y fallecido en París, 1868. 
Compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas cómicas (en un famoso encuentro con Beethoven, éste le indicó que siguiese componiendo muchos "Barberos de Sevilla"), pero con numerosas aportaciones también en el mundo de la ópera seria (la bellísima obra "Tancredi", por ejemplo). 
Todo ello le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana, del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica por encima del drama o la profundidad emocional y por encima del interés armónico.
A medida que avanzan sus composiciones, éstas van adquiriendo un mayor grado de dificultad vocal, tanto que desde mediados del siglo XIX hasta los años setenta del siglo XX, muchas de sus obras se creían imposibles de cantar.
Aquí puedes escuchar, una parte del Barbero de Sevilla, la Obertura Guillermo Tell, la ópera La Cenicienta, Tema y variaciones para clarinete, el Stabat Mater, uno de los finales de Tancredi : http://www.youtube.com/view_play_list?p=17B105EFA70ECEAE
Casi accidentalmente (a petición de unos amigos), comienza a componer óperas (1810) y, 
dado el éxito que logra, no dejará ya de hacerlo... hasta 1829 año en que culmina su gran ópera Guillaume Tell.
dado el éxito que logra, no dejará ya de hacerlo... hasta 1829 año en que culmina su gran ópera Guillaume Tell.
La primera parte de su vida, se desarrolla en Italia, 
donde recorre las principales ciudades presentando sus óperas.
donde recorre las principales ciudades presentando sus óperas. En esta época se producen muchos de sus conocidos "pasticcios", o autoplagios que se producían porque tenía que componer numerosas obras cada año y, no estando las ciudades italianas especialmente bien comunicadas, se dedicaba a cortar y pegar trozos completos de óperas anteriores para presentarlas en el siguiente lugar de estreno. 
Destacan las composiciones que hizo (especialmente para el Teatro San Carlos de Nápoles) para una conocida cantante de la época,
la soprano española Isabel Colbran,
con quien se casó en 1822 y formó pareja musical durante muchos años.
Destacan las composiciones que hizo (especialmente para el Teatro San Carlos de Nápoles) para una conocida cantante de la época,
la soprano española Isabel Colbran,
con quien se casó en 1822 y formó pareja musical durante muchos años.
Se separó legalmente en 1837 de su mujer, marchándose a vivir con Olympe Pélissier con la que casó en 1846, una vez que murió Isabel Colbran en 1845.Esta segunda parte de su vida será muchísimo menos prolífica en lo musical que la italiana (en Italia, entre 1810 y 1823 compuso 34 óperas; cuando, por ejemplo, Verdi, tardó más de cuatro años en componer Aida).
Comienza su época francesa con alguna ópera en italiano y sobre todo con la reelaboración en francés de óperas ya estrenadas en Italia. Culmina esta producción con una grandiosa (por calidad, emoción y duración de más de cuatro horas) ópera en francés: Guillermo Tell.
Sin embargo, aunque no volvió a componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, haciéndose cargo de la dirección de varios teatros franceses y componiendo muchísimas obras breves (a menudo relacionadas con su otra gran pasión, la cocina), así como varias obras religiosas.
¿Por qué dejó Rossini de componer tras Guillermo Tell? Son muchas las respuestas que se dan, desde el hastío, hasta la riqueza que ya había generado, pasando por abundantes dificultades de salud y, quizá también por el cambio que se estaba produciendo en el mundo de la ópera, con nuevas necesidades vocales, orquestales y teatrales. http://es.wikipedia.org/wiki/Gioacchino_Rossini
TANCREDI: “Tancredi” (1813) que Stendhal consideraba la obra cumbre de Gioachino Rossini
“Tancredi”, con libreto de Gaetano Rossi basado en un drama –aquí, muy desdibujado- de Voltaire, es un “melodramma eroico” en dos actos estrenado en el Teatro de la Fenice de Venecia –inicialmente, sin éxito- el 6 de febrero de 1813 centrado en las tensiones de dos familias –las casas de Argirio y Orbazzano- en continua disputa por la primacía del Estado-ciudad de Siracusa en el siglo XII.
Su inmediata reposición en Venecia, provocó un vuelco en la apreciación popular de “Tancredi”, cuyo estribillo de la cabaletta “Di tanti palpiti” con la que el protagonista irrumpe en escena –“Di tanti palpiti, di tante pene, / da te mio beno, spero mercé…”-
se convirtió en melodía frecuentemente cantada en los canales.
se convirtió en melodía frecuentemente cantada en los canales. 
Poco después, durante la Cuaresma, la obra saltó a Ferrara, donde se ofreció ya con el nuevo final trágico, novedoso e insólito para la tradición operística hasta entonces pero que, en sintonía con el original de Voltaire, deseaba realmente Rossini.
Disfrazando esta ópera seria con algunos esquemas de la bufa, la gran novedad de Rossini fue aligerar el esquema de las antiguas arias tripartitas.
El director de escena Yannis Kokkos: que “Tancredi” esconde “un soplo de aire fresco, una ingenuidad que me hizo recordar mis momentos de infancia. 
Hay una nostalgia medieval en esta partitura que yo he querido trasladar a escena”.
Hay una nostalgia medieval en esta partitura que yo he querido trasladar a escena”.Con “Tancredi”, supera su propio éxito en las obras cómicas –que, sin duda, durante mucho tiempo ocultaron al gran Rossini serio- apoya su música en la canción popular adornada de sencillas sorpresas armónicas y, pese a mantener la clásica yuxtaposición de números interrumpidos por recitativos, alterna pasajes meditativos con secciones más dinámicas y amplia el potencial expresivo de la orquesta.
Melodrama heroico en dos actos.
Libreto de GAETANO ROSSI (1774-1868) y LUIGI LECHI (1786-1861) basado en la tragedia "Tancrède" (1760) de Voltaire.
Estreno el 6 de febrero de 1813 en el Teatro La Fenice de Venecia (Versión Venecia) 
y el 20 de marzo de 1813 en el Teatro Comunale de Ferrara (Versión Ferrara).
Argirio, señor de Siracusa (Tenor)
Amenaide, su hija (Soprano)
Tancredi, Mezzo
Orbazzano, duque de Sicilia (Bajo)
Isaura, amiga de Amenaide (Mezzo)
Ruggiero, mozo de Tancredi (Soprano)
Nobles, caballeros, escuderos, pueblo, sarracenos...
y el 20 de marzo de 1813 en el Teatro Comunale de Ferrara (Versión Ferrara).Argirio, señor de Siracusa (Tenor)
Amenaide, su hija (Soprano)
Tancredi, Mezzo
Orbazzano, duque de Sicilia (Bajo)
Isaura, amiga de Amenaide (Mezzo)
Ruggiero, mozo de Tancredi (Soprano)
Nobles, caballeros, escuderos, pueblo, sarracenos...
Lugar y época de la acción: Siracusa, Sicilia, año 1005 Argirio, señor de Siracusa, promete la mano de su hija Amenaide a Orbazzano, duque de Sicilia y jefe de una facción enemiga, olvidando con esta boda viejos rencores y uniendo todas las fuerzas para luchar contra los sarracenos que asedian la ciudad.
Amenaide se desespera ya que ama a Tancredi, hijo del depuesto rey de Siracusa. Le envía una carta en la que le pide ayuda. Tancredi, exiliado de la ciudad acusado de traición regresa en secreto a Siracusa. Amenaide, sin decirle nada de su próxima boda, le propone huir junto a él. Amenaide rechaza la boda con Orbazzano a la que le obliga su padre.
(Final Ferrara) Tancredi, mortalmente herido, pero feliz por ver reconocida la inocencia de Amenaide pide a Argirio que los una en matrimonio, muriendo entre los brazos de la amada.
Amenaide se desespera ya que ama a Tancredi, hijo del depuesto rey de Siracusa. Le envía una carta en la que le pide ayuda. Tancredi, exiliado de la ciudad acusado de traición regresa en secreto a Siracusa. Amenaide, sin decirle nada de su próxima boda, le propone huir junto a él. Amenaide rechaza la boda con Orbazzano a la que le obliga su padre.(Final Ferrara) Tancredi, mortalmente herido, pero feliz por ver reconocida la inocencia de Amenaide pide a Argirio que los una en matrimonio, muriendo entre los brazos de la amada.
(Final Venecia) Tancredi persigue a Solamir al que vence en combate. El sarraceno, herido de muerte, le descubre la verdad, finalizando la acción con la reconciliación de los enamorados.
Oh patria! - dolce e ingrata patria! alfine A te ritorno! - Io ti saluto, o caraTerra degli avi miei: ti bacio.
È questo Per me giorno sereno: Comincia il core a respirarmi in seno.
Amenaide! o mio pensier soave , Solo de' miei sospir, de' voti miei Celeste oggetto, io venni alfine: io voglio, Sfidando il mio destin, qualunque sia, Meritarti, o morir, anima mia.
Tu che accendi questo core,Tu che desti il valor mio, Alma gloria, dolce amore, Secondate il bel desio.
Cada un empio traditore, Coronate la mia fé.
Di tanti palpiti, Di tante pene, Da te mio bene, Spero mercé.
Mi rivedrai...Ti rivedrò...Ne' tuoi bei rai Mi pascerò.
Deliri - Sospiri...Accenti - Contenti!...Sarà felice - Il cor mel dice,I l mio destino - Vicino a te. D'Amenaide ecco il soggiorno
BAJO CONTINUO, MELODÍA EN MOVIMIENTO
BAJO CONTINUO
Textura característica del barroco.
Textura característica del barroco.
Es una técnica musical de acompañamiento. 
Es el modo de escribir la estructura armónica de un acompañamiento, cuando solo el bajo está escrito en el pentagrama.
Los acordes se anotan en cifras, números, encima del bajo.
Disfruta
con esta grabación, movimiento, contraste, esto es Barroco. "Il Garfelino" de A. Vivaldi
Es una línea del bajo con relleno armónico.
Es un sistema de acompañamiento a base de acordes.
Puede desarrollarse con cualquiera de los instrumentos polifónicos de la época.
Puede desarrollarse con cualquiera de los instrumentos polifónicos de la época.
Los compositores barrocos escribían la línea melódica del bajo con unas cifras añadidas que indicaban al organista o clavecinista, los acordes que debería utilizar.
La sección compuesta por los instrumentos que tocan este bajo y los que lo realizan armónicamente también recibe el nombre de bajo continuo
Generalmente, el bajo continuo es ejecutado por un instrumento de teclas (cembalo, órgano, clave, laúd, arpa) que improvisa las armonías y un instrumento grave (viola de gamba, un violonchelo, contrabajo, o un fagot) que ejecutan solamente la línea escrita de bajo.
Hacia el clasicismo se abandona esta,
porque el compositor prefiere escribir con exactitud lo que debería ser tocado, sin embargo el cifrado barroco se sigue usando en el estudio de la armonía hasta nuestros días
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